Порою, в комментариях на сайте можно прочесть забавные отзывы касательно фотографий, выполненных с применением разного рода оптических средств, с целью намеренного "искажения" формы и цвета изображаемых предметов. "Знатоки", пишущие комментарии в духе "моноклями пользуются нищеброды, которым не хватает денег на приличный светосильный объектив" и "Сей артефакт смотрится как глаукомная картинка времен птеродактилей от фотоискусства", забывают, что пикториализм возник не в качестве вынужденного ответа на недостаток хорошей оптики. В конце XIX века, когда Генри Пич Робинсон "изобрел" сам термин "pictorialism", когда было учреждено известнейшее общество пикториалистов - The Linked Ring, технические средства фотографии, к которым приложили руку Талбот, Дагер, Байяр и множество других талантливых исследователей, были развиты в такой степени и таком разнообразии, что подобные упреки теряют смысл. Напротив, помимо развития оптических систем, наблюдается взрывообразное появление десятков самых различных методов получения отпечатка, в том числе и не связанных с серебром (платинотипия, гуммиарабик, бромойль). Это была эпоха молодости фотографии, когда единые каноны еще не довлели, когда рынок не диктовал столь жестко свои требования к изображению. В то же время, уже в середине девятнадцатого века в Европе работали несколько сотен фотоателье и несколько тысяч фотографов, для которых фотография была заработком. Вряд ли такой прогресс мог быть основан на "глаукомном" качестве изображений.

Впрочем, забавные комментарии оставим на совести авторов. Истоки пикториализма навеяны импрессионизмом и символизмом. Противоречивое течение, пытающееся совмещать символизм с натурализмом, течение, мгновенно разделившееся на приверженцев постобработки (ручная обработка негатива и позитива) и сторонников прямой печати, течение, чей всплеск был необыкновенно бурным, а почти повсеместное угасание - почти мгновенным, представляет собою часть эволюции фотографии, часть, и не самую худшую, ее истории. Угасание которого связано, в том числе, с внедрением технологий, сделавших фотографию массовым явлением (Вы нажимаете на кнопку - мы делаем все остальное!), для которого объективизм и узнаваемость важнее полутоновых нюансов и символизма. Массовость и скорость процесса оставляют все меньше место вдумчивому созерцанию.

Одно из самых принципиальных возражений пикториализму принадлежит режиссеру, талантливому фотографу, коммунисту, соучредителю агентства "Магнум", Анри Картье Брессону. В одном из своих интервью мэтр говорит: "Беда многих салонных фотографий как раз в том, что они часто имеют только красивую форму - но такую пустую, такую плоскую...". В этих словах есть большая доля истины. Красота переходит, часто незаметно для автора, в "красивость". Однако, погоня за красивостью не есть ли общая беда современной массовой фотографии? Следует различать мотивы, заставляющие человека заниматься фотографией. Если для одного фотография является способом познания мира, для другого - средством заработка, а для третьего - просто хобби, еще одним занятием в череде ежедневных, то каждый из них будет видеть мир по-своему, и, даже снимая одно и то же, они получат совершенно разный результат. Познание - вещь интимная, от собственной неудовлетворенности и направленная внутрь в себя. Хобби и продажа - публичны, удовлетворяют скорее потребности публики, нежели собственные и стремятся наружу. Можно отмахнуться от "глаукомных" картинок, можно считать их курьезными экспериментами, можно находить массу вполне серьезных доводов против них. Невозможно оставить за скобками одно - неподдельный и живой интерес человека, "коверкающего" снимки "некондиционной" оптикой к результатам такого искажения, часто открывающим новые, неведомые ранее, отношения и связи привычных форм.

Не создать ли нам...

Такая идея появилась - почему бы не собрать все "пикториально-художественные" работы, снятые моноклями, ахроматами и прочими "неприличными" объективами в отдельную группу? Классиков пикториализма мы с вами более-менее посмотрели, отдали им должное, но ведь - и сами с усами! Работ нынче, увы, не очень много, если сравнивать с общим количеством фотографий на сайте. Авторов, которые работают с пинхолом и моноклем, тоже немного, да и с ними обстоит так - "иных уж нет, а те далече". Однако, интерес к объективам и технике работы с ними есть - и он постоянный. Посему, появилась идея, с некоторой периодичностью, которая будет определяться количеством новых работ, составлять подборку, а, если дело пойдет, глядишь, неугомонная администрация сайта что-нибудь там в скриптах прикрутит, и появится группа с собственной закладкой.

Требования к работам самые демократичные:

1. фотография должна быть выполнена с использованием монокля, ахромата, пинхола, леснбэби, с хольгой... Главный критерий - использованная оптика.

2. Фотошопные имитации категорически не привествуются!

3. В ключевых словах обязательно одно слово "монокль" (без вариантов, так искать легче), а в описании желательно указать какой именно объектив применялся.

Если использовался не монокль, то все подробности укажите в описании или дополнительными ключевыми словами. Ключевых слов, как вы знаете, может быть несколько.

К сотрудничеству приглашаются все желающие, независимо от пола, возраста и фотографического "вероисповедания".

А пока, для начала, небольшая подборка "пикториальных" фотографий, из тех, что уже есть на сайте.

Драгомир Ружичка родился в 1870 году в Праге. Он переехал в Соединенные Штаты в 1877 году, окончил медицинскую школу в 1891 году и занимался медициной в течение 35 лет. Фотографией занялся в качестве хобби в 1901 году и уже в 1910 его начались его выставки по всему миру. Ружичка был членом Королевского фотографического общества Великобритании и Американского фотографического общества; а также почетным членом многочисленных клубов в Европе и Америке. Драгомир Ружичка принял участие в основании салона Pictorial Photographers of America и одним из самых отмечаемых участников выставок, проводимых салоном в годы после Первой мировой войны. Его фотографии Нью-Йорка, в частности станции Пенсильвании (Penn Station), являются одними из самых красивых изображений города. Работы Ружички оказали большое влияние на ранее творчество Яромира Функе и Йозефа Судека.

Ружичка отвергал манипулированную печать (дополнительную обработку позитива) и допускал лишь смягчение оптического рисунка объектива. Его бромосеребряные отпечатки на бумаге фирмы «Кодак» приятно удивили чешских фотографов, когда Ружичка посещал Прагу в 1921 году, поскольку их техническое качество было значительно выше того, которого удавалось достичь на имевшихся в то время материалах.

Фотографии Ружички сегодня находятся в многочисленных коллекциях , в том числе таких, как Музей современного искусства, Дом Джорджа Истмана и Музей Дж. Пола Гетти.

Ута Барт - современный фотограф из Лос -Анжелеса. Обладатель, на минуточку, степеней бакалавра и магистра искусств, полученных в Калифорнийском университете.

«Предметом работы» Уты являются тонкости визуального восприятия. Создаваемые ею «пустые» образы, граничащие с живописной абстракцией, скомпонованы из размытых фонов, четких рамок и естественного света, совокупность которых запечатлевает те случайные и мимолетные моменты, существующие почти исключительно на периферии человеческого восприятия. Ее фотографии, выполненные с преднамеренным пренебрежением к обычным фотографическим объектам, деликатно разрушают устоявшиеся визуальные представления, привлекая внимание зрителя к областям восприятия, находящимся на пределе чувствительности человеческого глаза.

Константин Манос родился в Южной Каролине, США, в семье греческих иммигрантов. Его карьера фотографа началась в школьном фотоклубе, когда Константину было 13 лет. За короткий период он стал профессиональным фотографом. В девятнадцать лет он получил приглашение на должность официального фотографа Бостонского симфонического оркестра.

После окончания военной службы Константин живет в Нью-Йорке. В это время он сотрудничает с такими изданиями, как Esquire, LIFE, и Look. В 1961 году он издает свою первую книгу, PortraitofaSymphony, по материалам работы в Бостонском оркестре. Несколько лет он живет в Греции (1961-1963). Сделанные в это время фотографии станут основой второй книги Маноса, AGreekPortfolio, изданной в 1972 году. В 1963 году Манос становится членом агентства Magnum.

Фотографии Маноса хранятся в таких музеях, как Museum of Modern Art, New York; the Museum of Fine Arts, Boston; the Art Institute of Chicago; the Bibliothéque Nationale, Paris; George Eastman House, Rochester, NY; the Museum of Fine Arts, Houston; и Benaki Museum, Athens.

Когда-то цветные фото требовали особенной мороки, что затрудняло быструю съёмку. Цветопередача не отличалась естественностью красок. Цветная фотография была слишком дорогой. Странно сейчас слышать это, но модные журналы, которым, вроде как, позарез необходим цвет, обходили его за тридевять земель – никто не мог позволить удвоить цену за свои номера. Старые профессионалы и легенды от мира фотографии также выражали своё неудовольствие новой техникой. Классик Анри Картье-Брессон называл цветное фото одним ёмким и абсолютно непечатным словом. Именно в такой момент, словно чёрт из табакерки, выскакивает перед галеристами и издателями Уильям Эгглстон со своим чемоданом, откуда ворохом сыпались цветные фото…

Уильям Эгглстон (William Eggleston) заинтересовался фотографией в начале 1960-х годов. Он не получил специального образования - вместо этого учился по книгам Роберта Франка, Уолкера Эванса и Анри Картье-Брессона. Начав с черно-белой фотографии, в конце 1960-х годов он, хоть и не первый, стал работать в цвете. В то время цветная фотография была не в почете.Звание «пионер цветной фотографии», которое закрепилось за Эгглстоном - это как раз тот случай, когда человеку принадлежит не изобретение, но идея того, как делать из лимона самый вкусный лимонад.

Эгглстон умел не просто находить удивительные цветовые решения: переливы, мозаичность, ритмичность цветов создавалась им за счёт «схватывания» самых обыденных вещей: машин, припаркованных у покосившегося забора, предметы интерьера, встречных людей и собак. Снимки Эгглстона выглядят «непричёсанными», художник ведом в первую очередь наитием, сиюсекундным сюжетом, ему некогда выравнивать горизонт и выстраивать композицию, на фото есть только одно мгновение, которое нельзя упустить.

«Иногда мне хочется сделать снимок, который не будет похож на фотографию сделанную человеком. Обычно люди фотографируют, держа камеру горизонтально на высоте полтора метра от земли. Я наблюдаю за летающими насекомыми, которые быстро перемещаются в пространстве и мне интересно — что они видят в каждый определенный момент. У меня есть фотографии, сделанные с «нечеловеческих» точек. … Например, фотография трехколесного велосипеда. Так его видит насекомое или ребенок.» Уильям Эгглстон.

«Привычное, будучи оторванным от контекста, обрезанным и скомпонованным, теряет свой первичный смысл и превращается в загадочное, странное.» Уильям Эгглстон.

«Боюсь, что большинству людей нравятся только фотографии прямоугольной формы с расположенным в центре легкоузнаваемым объектом. ... Даже прослушав лекции Виногранда и Фридлендера, они ничего не понимают. Они относятся с уважением к их работам, потому что им сказали, что это очень сильные фотографы, но все что им действительно хочется увидеть — это фотография с расположенным в центре человеком или каким-нибудь предметом.» Уильям Эгглстон.

"Элис Боутон с девочкой". Фото Г. Казебир

Элис Боутон родилась 14 мая 1886 года в семье адвоката Уильяма Боутона, проживавшей в Бруклине. В восьмидесятых годах XIXвека Элис Боутон изучала живопись в Париже и Праттовском институте (PrattSchoolofArtandDesign). Там она встретила Гертруду Казебир (https://photocentra.ru/blog/4255), и увлеклась фотографией. Некоторое время Элис работала ассистентом в студии Гертруды. В 1890 году Элис Боутон открывает собственную студию в Нью-Йорке, в которой она работает на протяжении сорока лет. Однако, известно письмо Элис ирландскому драматургу Уильяму Йейтсу, на котором стоит адрес другой студии, расположенной на Мэдисон Авеню, которое свидетельствует о том, что в течение какого-то времени Элис Боутон работала сразу в двух студиях. В 1901 году Элис изучает живопись в Риме и фотографию в Париже, где она работает в летней студии Гертруды Казебир. Доподлинно неизвестно, когда именно ее работы стали известны Альфреду Стиглицу, однако, уже в 1902 году две работы Элис были показаны на выставке группы Photo-Secessionв Нью-Йорке. Четырьмя годами позже, в 1906, Элис становится полноправным членом этой группы. В 1909 году шесть ее фотографий и очерк «Фотография как средство выражения» публикуются в апрельском номере журнала CameraWork.

Элис стала одним из самых узнаваемых фотографов-портретистов Нью-Йорка. Ей принадлежат портреты таких выдающихся личностей, как нобелевский лауреат в области литературы Уильям Йейтс, поэт Дж. Дринкуотер, художник Альберт Райдер, художник Роджер Фрай, который ввел в употребление понятие «постимпрессионизм» и многие другие художники, поэты и «люди искусства» того времени. В числе которых оказался наш соотечественник Максим Горький с его приемным сыном. Однако, портретированием знаменитостей интересы Элис далеко не исчерпываются. Упомянутые шесть фотографий для журнала CameraWorkизображают обнаженную натуру на открытом воздухе и выполнены в мягкой, романтической манере. Фотографии Элис Боутон охотно публиковались популярными периодическими изданиями, такими как AmericanIllustratedMagazine. В 1928 Элис Боутон составляет собственную подборку портретов знаменитых людей, выполненных ею в разное время, и публикует ее в виде книги «PhotographingtheFamous».

В 1930 году Элис Боутон закрывает студию и переезжает в Брукхэйвен, где и живет до 21 июня 1943 года, дня, когда жизнь ее оборвалась.

Дорогие друзья, уважаемые фотографы и коллеги!

Сегодня вышел второй номер журнала "PhotoCentra". Номер, в формате *.pdf, доступен по ссылке:

http://yadi.sk/i/6enGQ2a13WneCK

Редакция рассмотрит любые предложения о сотрудничестве. Ваши идеи, ваши рекомендации, ваши размышления, ваше участие в качестве ведущего рубрики - все это может быть реализовано на страницах "PhotoCentra"!

ArthurF. Kales, Обнаженная в лесу, 1914

«Обнаженная в лесу» характерна для эфирных предметов и стиля Калеса.

Обнаженная тщательно освещена, чтобы подчеркнуть ее гладкую кожу,

контрастирующую с грубой корой и темной массой деревьев позади нее.

Вневременная, архетипическая женская фигура Калеса, кажется, населяет Рай до грехопадения,

где люди сосуществуют в невинной гармонии с природным миром.

Родившийся в Аризоне, Артур Калес получил степень бакалавра в Калифорнийском университете в Беркли в 1903 году. Он заинтересовался живописным пикториальным движением в фотографии, процветающем в то время в Северной Америке, и его фотоработы очень скоро получили признание. В первые десятилетия двадцатого века Артур Ф. Калес работал в пикториалистском стиле, популяризированном Альфредом Cтиглицем и его журналом «CameraWorks». Пикториалисты считали, что фотография заслуживает равного статуса cживописью, их фотографии часто напоминают рисунки древесным углем, гравюры или картины. Для достижения этой цели используется мягкорисующая оптика, химические манипуляции с отпечатками и другие фотографические методы.

Артур Калес опубликовал многочисленные эссе об американской фотохудожнике в журнале «Photograms of the Year», был награжден стипендией Королевского фотографического общества.

Энн Бригман (Anne Brigman, 1869-1950) родилась на Гавайях, в возрасте 16 лет переехала жить в Калифорнию.В молодости Энн мечтала стать художницей, но, не достигнув на этом поприще больших успехов, в начале XX века взяла в руки фотоаппарат. В 1902 году, по приглашению А. Стиглица, присоединилась основанной им группе Photo-Secession. Она оказалась в неплохой компании: кроме Стиглица в эту крайне элитную группу входили Эдвард Стейхен, Гертруда Кейзебир, Кларенс Уайт и Элвин Лэнгдон Коберн. Энн Бригман была одной из немногих женщин, входящих в Photo-Secession и единственным членом группы к западу от Миссисипи.

Основной объект фотографических пристрастий Энн Бригман — обнаженная или частично обнаженная женская натура, при этом нередко она выступала одновременно в качестве модели и фотографа. Как правило, она работала на свежем воздухе, подбирая для своих моделей в качестве фона таинственные пейзажи. Вдохновленная символикой и романтической живописью, Энн часто обращалась к языческой мифологии и гавайским верованиям, превращая своих моделей в поэтические воплощения божеств. Много внимания Бригман уделяла постобработке фотографий; для достижения задуманного эффекта она использовала все средства от обычной ретуши до печати с нескольких негативов.

Энн Бригман по праву считается одним из лучших фотографов-пикториалистов начала XX века. Она неоднократно принимала участия в групповых и персональных выставках, в 1909 году стала членом знаменитого лондонского фотоклуба «Linked Ring». В 1930-х Бригман стала писать стихи и в 1949 году выпустила книгу «Песни язычника» («Songs of a Pagan») в которую вошли ее стихи и фотографии.